Fra i dag og en uge frem (7.-13. maj 2015) kan "Blade Runner: The Final Cut" igen nydes på Imperials store lærred. Sir Ridley Scotts stilskabende sci-fi-thriller fra 1982 får samtidig repremiere i Nordisk Films biografer i Aarhus, Odense og Aalborg.
Det var også Imperial, der i maj 2008 lagde lærred til den første, danske visning af filmens femte - og i manges øjne ultimative - sammenklipning. Jeg var med på Venedig-festivalen i efteråret 2007, da Ridley Scott lancerede "Blade Runner: The Final Cut" for verdenspressen. Herunder kan du læse, hvad instruktøren havde at sige om "Blade Runner", der floppede ved fremkomsten, men siden er gået over i filmhistorien som en klassiker inden for neo(n)-noir.
ARTIKEL OM "BLADE RUNNER: THE FINAL CUT" Alle gode gange fem Brian Iskov for AOK/Berlingske Tidende 16. maj 2008
Hvornår er en film færdig? Før i tiden var det, når datoen for biografpremieren åndede instruktøren og klipperen tungt i nakken. Så skulle der afleveres, uanset hvor meget fingrene kriblede efter at justere videre på værket.
»Director’s Cut«-fænomenet, der slog igennem i 1990erne, gav Hollywoods mest perfektionistiske fortællere muligheden for at gå tilbage og finpudse deres oprindelige visioner. Og i dag, hvor dvd-mediet lokker med ekstra guf som et salgsargument, bugner markedet af alternative udgaver af såvel ældre som spritnye titler.
Fem af Sir Ridley Scotts film har til dato fået en ny chance på klippebordet. Men fremtidsthrilleren »Blade Runner« slår dem alle, når det gælder omstændelige reparationer. »Final Cut«-versionen, der spiller i Imperial fra i dag, er filmens femte officielle udgave!
Harrison Ford i "Blade Runner: The Final Cut" (1982/2007) | pr-foto Warner Bros.
Den engelske reklamefilms-æstet Ridley Scott red stadig højt på succesbølgen fra sin rumgyser »Alien«, da han tog turen over Atlanten for at instruere sin første film på amerikansk grund. Men Harrison Ford som hårdkogt detektiv i en ravmørk, regnvåd fremtid? Det var hverken, hvad kritikere eller menigmand havde lyst til i 1982.
Da AOK møder den nu 70-årige instruktør på Venedig Filmfestival, erkender han, at en del af fiaskoen skyldtes hans egen usikkerhed som nybegynder i Hollywood.
"Vi prøvekørte filmen, som man altid gør i USA. Jeg troede, den var hjemme, men visningerne gik rigtig skidt. »Blade Runner« forvirrede testpublikummet. De kunne ikke forstå, hvorfor de sad og heppede på skurken, eller hvorfor helten fandt sig i at få så mange tæv. Min selvtillid røg i bund, og jeg begyndte at lave rettelser, som kompromitterede min oprindelige idé," siger Ridley Scott i Venedig.
Trods indsigelser fra Harrison Ford tilføjede Ridley Scott en fortællerstemme, der på pædagogisk vis overforklarede, hvad der skete, hvem personerne var, og hvad de agtede at gøre mod hinanden.
"Det modsatte af god fortælleteknik! Filmen skal altid være et skridt foran publikum. Ikke med dem eller bag dem. Her bragte jeg publikum på linje med fortællingen, og det var en fejl."
Ridley Scott bed skuffelsen i sig og glemte alt om »Blade Runner«, indtil han nogle år senere tændte for MTV og blev mødt af, hvad han først troede var råklip fra sin egen film.
Men det var midt-80'ernes dyrt opsatte musikvideoer, der efterabede filmens look af fordærvet storbyjungle i glinsende neonskær. Det dystopiske design smittede også af på arkitektbranchen, fortæller Ridley Scott.
"En meget berømt arkitekt sagde til mig for 20 år siden: »Jeg viser »Blade Runner« på mit kontor en gang om måneden for alle, der har lyst til at se den.« Han forklarede, at filmen havde ændret hele hans måde at opfatte arkitektur og udsmykning på."
Med tiden fandt Ridley Scotts tredje spillefilm et hengivent kultpublikum, og derfor fik instruktøren i 1992 lov til at fjerne den påklistrede speak i et »Director’s Cut«. Den malplacerede optimist-slutning mødte saksen ved samme lejlighed, men Scott var stadig ikke tilfreds. I 2000 påbegyndte han endnu en overhaling, som først lå klar til filmens 25-års jubilæum i 2007.
Ridley Scott i Venedig 2007
Ændringerne i »The Final Cut« beløber sig mest til kosmetiske opstramninger. Småfejl og visuelle effekter er rettet, mens lyden og billederne har fået med støvekosten. Den digitale kopi fremstår med producerens ord "flottere end førsteudgaven gjorde i 1982".
Men mon ikke fansenes interesse samler sig om filmens omdiskuterede drømmesekvens, for første gang indsat i sin fulde længde? Når enhjørningen galopperer gennem detektiven Deckards bevidsthed, sætter Sir Ridley Scott endegyldigt punktum for debatten om ...
– og her kommer en potentiel spoiler –
... hvorvidt helten selv er en af de menneskelignende robotter, han er sat til at jagte.
Deckard er en replikant. Og »Blade Runner« er langt om længe færdig.
Søndagens film på DR1 er Susanne Biers romantiske komedie "Den skaldede frisør" fra 2012.
Filmen fik verdenspremiere på festivalen i Venedig, hvor jeg udnyttede chancen til at interviewe den mandlige hovedrolleindehaver, Pierce Brosnan, og dermed trykke endnu en agent 007-skuespiller i næven.
Den da 59-årige Brosnan kunne fortælle, at rollen som James Bond var en spændetrøje, men at mødet med Susanne Bier og hendes danske skuespillerstab blev en befriende oplevelse for den irske filmstjerne – også selv om han måtte trække på sin egen erfaring som kræftenkemand i "Den skaldede frisør".
[NOTE: Året efter dette interview døde Pierce Brosnan og Cassandra Harris' datter, Charlotte Brosnan, også af kræft, 42 år gammel.]
INTERVIEW MED PIERCE BROSNAN, "DEN SKALDEDE FRISØR" Fra Bond til Bier Brian Iskov for Dagbladenes Bureau, september 2012
»Tak«. »Tusind tak«. Og »du er smuk«.
I sin glansrolle som agent 007 har Pierce Brosnan taget livet af Ulrich Thomsen og fået enetimer i »skandinaviske tungemål« hos Cecilie Thomsen. Men da vi møder den irskfødte gentleman på filmfestivalen i Venedig, erkender Brosnan blankt, at hans danske ordforråd kun rækker til de tre ovenstående fraser.
Blandt andet derfor sad nerverne uden på skjorten, da den 59-årige skuespiller sidste år [2011] rejste til København for at forberede sig på sin første hovedrolle nogensinde i en dansk film: Susanne Biers biografaktuelle »Den skaldede frisør«.
– Jeg var meget nervøs over at møde alle de her danske skuespillere, som havde kendt hinanden i mange år og været venner, elskere, kolleger, fortæller Pierce Brosnan i Venedig.
– Tag sådan en fyr som Kim Bodnia. Han har enormt meget power. Når han sidder på den anden side af bordet, kan man godt blive bange for, at han vil springe på én!
Men Bodnia viste sig at være »virkelig sjov«, tilføjer Pierce Brosnan, som slet ikke havde behøvet at bekymre sig. Lige fra starten tog alle danskerne på holdet imod deres fremmede kollega med åbne arme.
– De optog mig i deres stamme, beskyttede mig og lo kærligt ad mig, når jeg forsøgte at tale sproget, siger han med sin bløde, lavmælte røst.
– Heldigvis gav det mening i forhold til filmens historie, at min figur (en britisk forretningsmand bosat i Danmark, red.) beholdt sit modersmål, så jeg slap for at lære dansk.
Pierce Brosnan, Paprika Steen, Trine Dyrholm og Molly Blixt Egelind i "Den skaldede frisør"
pr-foto: Duane Gregory
Pierce Brosnans manglende nordiske sprogkundskaber opvejes dog af hans viden om dansk kultur. Den ellers så milde og distingverede skuespiller virker næsten lidt fornærmet, når man spørger ham, om han har fulgt udviklingen i vores hjemlige filmbranche.
– Selvfølgelig har jeg det. Jeg har lavet film i 30 år, og når man støder på et fænomen som dogme, vil man da gerne vide, hvad det går ud på. Jeg så »Festen« (af Thomas Vinterberg, red.) og Lars von Triers »Breaking the Waves« og tænkte: »Shit. Wow. Hvad har de gang i?« De film var så energiske, så levende i deres udtryk, og man kunne tydeligt mærke, hvor befriende det var for skuespillerne at arbejde på den måde. Jeg fik lyst til at være en del af det.
Den følelse af frihed, som Pierce Brosnan fornemmede i de danske dogmefilm, mindede ham om karrierens spæde start på Londons eksperimenterende teaterscener. Her slog den nyuddannede skuespiller sine folder sidst i 1970'erne, inden han brød igennem som gentlemandetektiv i den populære tv-serie »Remington Steele«.
– Alting er så rigidt, når man indspiller film, siger han.
– »Stille. Værsgo. Tak. En gang til.« Der er noget sløvende og hæmmende ved den stop-start-rytme, som gør, at jeg somme tider kan føle mig fastlåst.
Optagelserne med Biers danske filmhold i det solrige Syditalien, hvor cheffotografen Morten Søborg dansede ind og ud mellem skuespillerne med sit kamera og filmede løs i lange, ubrudte stræk, blev derfor »en berusende og frigørende oplevelse« for den irske hollywoodstjerne.
Trine Dyrholm og Pierce Brosnan i "Den skaldede frisør" | pr-foto: Duane Gregory
Pierce Brosnan var i forvejen fan af Susanne Bier og hævder at have set alle hendes film. Det skulle vise sig, at interessen gik begge veje. Den danske succesinstruktør forsøgte faktisk at få Brosnan med i sin forrige film, »Hævnen«, men andre forpligtelser gjorde, at han måtte afslå tilbuddet.
– Godt det samme, for hun fandt en anden skuespiller, som passede langt bedre til den rolle, lyder det selvudslettende fra Pierce Brosnan, som dog ikke vil røbe, hvilken rolle der var på tale.
Hans ønske om at arbejde sammen med Susanne Bier gjorde, at han efterfølgende sagde ja til »Den skaldede frisør«, allerede inden han læste manuskriptet og opdagede, at det romantiske komediedrama rummede stærke paralleller til hans eget liv.
I filmen spiller Pierce Brosnan den melankolske Philip, som satte sit hjerte på standby, da han mistede sin kone i en ulykke mange år tilbage. Først da Philip under en bryllupsfest i Italien møder Ida (Trine Dyrholm), en humørfyldt dansk frisør med brystkræft, begynder han at få farve i kinderne igen.
Pierce Brosnan og Trine Dyrholm i "Den skaldede frisør" | pr-foto: Duane Gregory
Privat kender Pierce Brosnan også kun alt for godt til enkemandens sorg. Han mistede sin første kone, skuespillerinden Cassandra Harris, til livmoderkræft i 1991.
– Som en engel kom hun ned ad en trappe og ind i mit liv, og 17 år senere forsvandt hun ud af mit liv igen som en engel, fortæller han stille.
I årene efter hustruens død kæmpede den ombejlede filmhelt for at genfinde fodfæstet som alenefar til tre børn.
– Kvinder og løse forhold var begyndt at hænge mig langt ud af halsen. Men alt ændrede sig en dag i 1994, da jeg sad i Mexico og så den her gudesmukke kvinde, Keely [Shaye Smith], gå rundt om hjørnet. Nu, 17 år senere, er vi gift og har en søn sammen. Så jeg har været heldig med kærligheden, siger Pierce Brosnan, der hævder, at det modsatte køn ikke altid har stået i kø ved hans dør.
– Jeg kan ikke påstå, at jeg var særlig god til at samle piger op, da jeg var yngre. Det gik sjældent særlig glat. Når jeg gik i byen med mine kammerater, var det som regel en af mine venner, som fik pigernes telefonnumre. Jeg var mere høflig og tilbageholdende.
Pierce Brosnan nævner Cary Grant, Sean Connery, Steve McQueen og Spencer Tracy som nogle af de maskuline filmidoler, der inspirerede ham til at finde sin egen stil. Med årene forvandlede den irske ungersvend sig til indbegrebet af en glatsleben og charmerende verdensmand. Det elegante ladykiller-image blev slået fast med nul-nul-syv-tommersøm, da han i 1994 fik tjansen som den femte James Bond-skuespiller.
Efter en smertefuld falsk alarm i 1986 – hvor en tv-kontrakt tvang Pierce Brosnan til at give 007-stafetten videre, før han overhovedet kom i gang – endte han med at udfylde rollen som verdens mest berømte hemmelige agent i fire film.
– Bond kommer til at følge mig resten af mit liv, og det har jeg det fint med. Det er på grund af ham, at jeg nu sidder her og er med i en Susanne Bier-film, understreger Pierce Brosnan.
Men selv om han ser tilbage på sin tid som agent 007 med taknemmelighed, har han aldrig lagt skjul på, at han også nærede sine forbehold over for rollen.
– Det var en fantastisk chance at få lov at spille James Bond, og jeg nød det, mens det stod på. Samtidig er Bond også lidt af en spændetrøje, som vejer tungt over skuldrene. Der er nogle klare begrænsninger for, hvor meget man kan påvirke figuren. Og man vil nødig være den, der bryder magien.
Endnu i dag trækker Pierce Brosnans læber sig sammen i et jag af bitterhed, når han mindes den telefonsamtale i 2004, hvor Bond-producerne meddelte ham, at han var færdig som 007 efter ni år i rollen.
– Den dør blev smækket i på et meget sent tidspunkt i forløbet, siger Brosnan. Han havde gerne givet Bond en femte og sidste tur i manegen. Men bagmændene ønskede at genstarte filmserien med Daniel Craig som en yngre Bond. Der var ikke noget at stille op.
– På en måde vidste jeg godt, at der var nogle ændringer under opsejling. Jeg blev bare meget vred og forurettet over måden, de håndterede det på, forklarer han.
At Bond-serien i næste måned fejrer 50-års jubilæum efter alle kunstens regler, når den 23. film i rækken, »Skyfall«, får premiere, lader ikke til at optage Brosnan synderlig meget.
– Det er Daniels problem, konstaterer han med et lille, skævt smil.
Derimod tænker Pierce Brosnan en del over en kommende milepæl i hans eget liv. Han fylder 60 til maj næste år [2013], og for ham er det ikke bare endnu et tal i rækken, men et skarpt hjørne, som maner til eftertanke.
– Jeg strøg ind over 50-års grænsen i flyvende stil. 51 og 52 gik også fint. Omkring de 53 begyndte jeg at mærke en smule turbulens. I kroppen, i sindet, i min indstilling til livet. Jeg blev bevidst om, at uret tikker. Jeg er mere opmærksom på at være til stede i nuet med mine børn og mere lidenskabelig omkring at være i live. Og så føler jeg mig lidt mindre nervøs over at spille skuespil – om end nerverne aldrig helt forsvinder, slutter Pierce Brosnan.
Trine Dyrholm og Pierce Brosnan i "Den skaldede frisør" | pr-foto: Duane Gregory
Pierce Brosnan om Susanne Bier:
– Susanne er blændende, sexet, livfuld og smuk. Som filmmager er hun begavet med fremragende øjne og ører. Hun kan somme tider være krævende, kommanderende, påståelig og voldsomt irriterende. Samtidig er hun temmelig dejlig og lidt af en forførerske, så hun kan slippe af sted med hvad som helst!
Susanne Bier om Pierce Brosnan:
– Pierce udstråler altid enormt meget værdighed. Han har en djævelsk humor. Som skuespiller er han mindst lige så modig som Trine (Dyrholm, red.). Og så ser han vildt godt ud!
Trine Dyrholm om Pierce Brosnan:
– Pierce er den mest charmerende gentleman, man kan tænke sig. Jeg var meget nervøs for at møde ham, fordi han er sådan en stor stjerne. Men til vores første læseprøve på filmen greb han min hånd, kiggede mig dybt i øjnene og begyndte at læse højt fra manuskriptet. Han inviterede mig ind i sit »rum«, og det fik mig til at slappe fuldstændig af. Han er helt nede på jorden, meget generøs, begavet og morsom. Det er ikke svært at falde for ham, hvilket jeg tror, at samtlige kvinder på filmholdet gjorde. Og vist også nogle af mændene!
BLÅ BOG: Pierce Brendan Brosnan
Irsk skuespiller og filmproducer, født 16. maj 1953.
Uddannet fra Drama Centre London i 1975. Filmdebut i 1980.
Gift med journalist Keely Shaye Smith i 2001. Har sønnen Sean fra et tidligere ægteskab med skuespilleren Cassandra Harris (1980-91).
Bosat i Californien og Hawaii, hvor han ynder at male i sin fritid.
Er ambassadør for UNICEF og aktiv i en række miljø- og kræftorganisationer.
Efter en stribe kulsorte kunstfilm og romaner har Lukas Moodysson, svensk films enfant terrible, atter vendt sig mod komedien, livsglæden og den medrivende mainstream. ”Vi er de bedste”, som har dansk biopremiere i dag, er absolut instruktørens mest publikumsvenlige film siden gennembrudsværkerne "Fucking Åmål" (1998) og "Tilsammans" (2000).
Med afsæt i den selvbiografiske tegneserie "Aldrig godnatt", som hans kone, Coco Moodysson, fik udgivet i 2008, har Lukas Moodysson skabt en energisk hyldest til ungdommens ukuelighed, firsernes punkrock og seje, skandinaviske skolepiger.
"Vi er de bedste" havde verdenspremiere på Venedig-festivalen i 2013, hvor jeg fik en snak med Lukas Moodysson. Den 45-årige instruktør efterlod indtrykket af en melankolsk outsider, som med næb og kløer graver sig frem mod et mere positivt livssyn. Han erkendte i vores interview, at han ofte føler sig som en gammel dame. At mange af hans egne film er for dystre til, at han selv orker at se dem. Og at hans store drøm er at lave en sitcom til tv.
Den verserende debat om kvindekønnets kår i filmbranchen fik også en kommentar med på vejen, da Lukas Moodysson bød ind med et opsigtsvækkende forslag til en kvoteordning for filmskabere. Endelig holdt han 1980'ernes ungdom og musik op mod nutidens ditto og afslørede et noget uventet forbillede, som understreger, at også mørkemænd fra Malmø bliver mere rummelige med alderen ...
EKSKLUSIVT FOR BRIES BLOG-O-RAMA Interview med Lukas Moodysson om "Vi er de bedste"
(Interview with Lukas Moodysson, director of "Vi är bäst!"/"We are the Best!") Brian Iskov, Venedig/Venice 2013
Judging from "We are the best" as well as your previous films "Fucking Åmål" and "Lilja 4-Ever", you seem to have an affinity for telling stories from the female perspective. Is this by design or merely something you just gravitate towards?
In general, it's because I feel like I'm an old lady inside. An old lady who likes to drink tea and likes flowers, wears rings and stuff. This is my wife's grandmother's ring. My wife doesn't like it. She likes it, but she doesn't wear it. It fits me, I have small hands.
In this specific case ["We are the best!"], I couldn't really change it because it was a real story. That was actually one thing that made me hesitate and feel like maybe it wasn't such a good idea to make this.
One of the reasons was that [the real events] took place in the 1980's. That's difficult to film, because you have to change everything. You can not just walk out into the street and shoot, you have to put the cars there and everything.
But the other thing that kept me away from the project was actually that [the three main characters] were girls. Because I just felt that I had made too many films with girls, and I wanted to make something with boys instead.
But afterwards, I feel that it's a good thing. The punk movement was very masculine, so it's nice to see it from a different perspective. It would be simpler in a way to make it about three boys starting a band, because it was simpler for boys to do that. For three girls to start a band was a bigger step.
"We are the best" would certainly be more traditional if it were about boys forming a punk rock band. Generally, there aren't that many films about young girls or women. Would you agree that it's harder to get finance for a film with female protagonists these days?
Don't know about that. I don't think that's true in Sweden at all. I think it would be the opposite in Sweden. There is a lot of talk in Sweden about trying to find more female perspective in the film industry ... Which is good, I think. More female directors and so on. In Sweden, at the moment it's easier to finance a movie with women or girls in it.
Has there been talk about quotas in the Swedish film industry?
Yes. Talks. It's difficult, but yeah, I think it would be a great thing to try an embargo, actually. For three years, all the money goes to female writers and female directors. Would be nice. Or two years or something. It would be nice to see what came of it. Or to say that maybe for two years, we only give money to OLD directors. For example. There's a lot of talk about young directors, sometimes there are some old directors who are a bit forgotten. Or young directors. I think that would be a great idea: Two years, only male directors. Two years, only female directors. Two years, only over the age of 60. And two years, only under 30.
But then you'd only make a film every eight years.
Yeah. Actually, I'd really like to do a couple of sitcoms. But I find it's very difficult for me to decide that now I have to be funny. Sometimes there is humour and laughter in life, but it's more something that comes out by accident.
Which sitcoms do you enjoy watching?
"The Big Bang Theory" is my favourite of the moment, and if you go back, I think "Friends", that's the one I really like.
"Sometimes I can feel that some of the movies I've made, I'm not sure if I could watch them myself."
This is a bit theoretical, but I think it could be interesting also to work within specific genres. I would also like to make a rather conventional romantic comedy, but it's difficult to work within genres without changing it too much. I would like to make some really simple things.
How come?
It might have something to do with getting away from a kind of snobbism. Sometimes I can feel that some of the movies I've made, I'm not sure if I could watch them myself. Not because they're bad, but ... Quite a lot of the time, I have very simple taste. When I go with my son to the video store, or when I go to the movies or something, I just want to have fun for two hours. Most of the time, I just wanna see something funny that will make me laugh and have a good time. Especially if I'm with my children. I'm not a father who tries to make them watch Bergman or something.
My idol of the moment is actually Rihanna. She's really an example of someone with complete power and strength, and at the same time, you feel like there's a lot of sadness in her voice. She's really been the most important thing for me this summer, trying to ... survive.
Something like listening to Rihanna would be impossible for me when I was much younger. I would never listen to that kind of commercial music at all. But then you get older, and you realize that there's a wide spectrum of things. You can actually like both Northern renaissance art and Rihanna at the same time. When I grew up, I was actually listening to exactly the same music that you hear in the film ["We are the best!"].
What was the 80's punk scene like in Sweden?
I think it was quite a big scene, but like in the movie it gradually became smaller in '81-82, which was of course difficult. You would meet a lot of people saying "Punk is dead" in '82. I listened to punk from 1981 when I was around 12 years old. By then, it was already too late. In 1982, it was more or less over. The big bands in Sweden, like Ebba Grön or KSMB, they split in '81 or 82. That feeling, of coming too late for something, is in the movie as well.
Being young in the 80's, what were the good things, and what were the bad things?
That's a big question. It's difficult to compare, because I haven't tried being 13 years old now. But one thing that my actresses say, when we talk about the 80's, is that there was less stress. Now, and this is something I can relate to as well from my own children and their friends, that there's a stress to always be updated, always be in touch, always know what's happening.
Phones, social media and everything, it's a lot of stress. And especially for people who are sensitive to stress, I think it's really difficult. Some people like stress, but some people - especially children and young people - really react badly to stress, and I actually think that's a big problem in the world today. That there's such a high, fast tempo.
But at the same time, there are things that are really much better today. Growing up and feeling lonely in a small town somewhere in 1982 was probably more difficult than doing it today. Because it's easier today to find someone somewhere else that likes the same clothes or listening to the same music. I think there was a bigger risk of being isolated in '82.
You and Coco have three children. How do you teach them to cope with the world?
You cannot protect your children from the world. The world is there, you can talk about it and try to minimize some things, but you can't ... It's like trying to force children to never eat candy. It's a theoretical thing, it won't happen. Sometimes you can put it in perspective, but I'm not the perfect father, so I cannot really give any advice! I just try to do my best.
At man skal ikke skue hunden på hårene, er Danny Trejo et godt bevis på. Den mexicansk-amerikanske birolleskuespiller, som fylder 70 år i dag, har ellers fremragende forudsætninger for at illudere barsk latinobørste. Danny Trejo tilbragte store dele af 1960'erne bag tremmer for væbnet røveri, og hans karakteristiske, hærgede fjæs skyldes dels et heftigt stofmisbrug, som han lagde bag sig i 1969, og dels alle de tæsk, han indkasserede i sin tid som fængselsbokser.
Ved en tilfældighed havnede Danny Trejo i filmbranchen i midten af 1980'erne. Siden har han i mere end 100 biroller udfyldt nichen for latinamerikanske bøller så overbevisende, at han i dag hyldes som en kultfigur – især i kraft af hans samarbejde med instruktøren Robert Rodriguez, der gerne caster Danny Trejo som en slags maskot i sine film. Det var også Rodriguez, der i 2010 gav Trejo hans livs første hovedrolle som den fåmælte machohelt Machete i filmserien af samme navn.
Jeg sad til bords med Danny Trejo i Venedig, da ”Machete” havde verdenspremiere, og jeg måtte sande, at Danny Trejo bag sin garvede læderhud og bistre apparition er en lun, venlig, ydmyg og jordbunden bessefar - eller som Jessica Alba udtrykte det, en rigtig ”softie”. Især husker jeg, hvordan Danny Trejo under gruppeinterviewet skulede fascineret over mod min notesblok og spontant afbrød et svar for at udtrykke, hvor imponeret han var over denne danske journalists pertentlige, gnidrede håndskrift:
Danny Trejo on being typecast as a heavy:
I've always worked, but always as the bad guy. And people say, arent you afraid of being stereotyped? Come on, look at me! I dont look like a good guy (laughs).
I've watched guys sitting in gyms wasting their life waiting for that good guy part. Me, I wanna work, and Robert [Rodriguez] knows that. I'll play a tree if you want me to. And if you want me to put fruit on it, maybe I want more money. But I don't really pick and choose. Bad guys are easy for me, I just show up.
Danny Trejo on his violent background:
[Film violence?] None of it is real. Maybe the facial expressions are, but if it was real, someone would be dead. I've been exposed to violence. I always say, the first half of my life was a character study.
I was lightweight and welterweight champion [in San Quentin prison]. When I came out, I couldn't get a boxing licence because of the violence that I had on my record. So I became a drug counsellor.
Danny Trejo's film debut as a boxer in "Runaway Train" (1985)
Danny Trejo on his way into the movie business:
My first movie was ”Runaway Train” with Jon Voight. I got on by accident. I was a drug counsellor, and one of the kids I was working with asked me to come down and hang out with him because he was afraid he was gonna use. And I ran into a really good friend of mine from my past in the penitentiary called Eddie Bunker, who was a writer. Me and Eddie knew each other since 1962. My uncle bought a robbery from him in '62, that's where I met him. Then I met him in San Quentin, and again when he'd written the screenplay to ”Runaway Train”. He adapted it to American cinema because it was [originally written by] Aiakawa [Akira Kurosawa]. He asked me if I wanted a job training Eric Roberts how to box, and Andrei [Konchalovsky, the director] saw me and put me in the film.
Danny Trejo on taking Robert De Niro to a prison:
I always ask the leads in my movies whether they wanna go to juvenile hall or penitentiary to talk, because we always do that. [Robert] De Niro [who played opposite Trejo in ”Machete”] has been the only guy to go to the pen with me. He drove 60 miles to talk to a bunch of kids in prison. And it's amazing because he is not a public speaker. The interview guys know! And he talked for maybe a minute and half, and then he waited to shake everybody's hand. These guys, from 14 to 25, all murderers. They were so quiet and respectful, it was unreal. The prison guards got scared. Robert just captivated them.
Jeg kan godt lide Terry Gilliam. Den farverige amerikaner er altid boblende fuld af humør, vanvidsideer og drilske stikpiller til mainstream Hollywood. I interviews er han forrygende veloplagt, som jeg opdagede, da jeg mødte ham i Venedig i 2005, og Terry Gilliam kæmper så indædt for at realisere sine galmandsværker – som man så det i dokumentaren "Lost in La Mancha" (2002) om hans forheksede evighedsprojekt "The Man Who Killed Don Quixote" – at man dårligt kan andet end at holde af manden.
Til gengæld har jeg det tit lidt svært med Terry Gilliams film. Hans seneste påhit, fremtidskomedien "The Zero Theorem", vises i aften og på torsdag, 10. marts, på CPH PIX, og trods sjove ideer hist og her er den som helhed en lidt anstrengt affære. Filmen, der havde verdenspremiere på sidste års Venedig-festival, kommer ikke i biografdistribution herhjemme.
Stemningen fejlede som sædvanlig intet, da Terry Gilliam indbød til Q&A om "The Zero Theorem" i Venedig. Trods sine efterhånden 73 år er det gamle Monty Python-medlem stadig en tornado af kåd, drenget energi, som klukker henrykt over egne og andres skæve indfald. Her er nogle af højdepunkterne.
Tweeting is an ugly, ugly habit. My mother told me, if I tweeted, I would go blind.
- Terry Gilliam, Venice 2013
I try very hard to be mediocre, but you need a lot of money to be mediocre.
- Terry Gilliam, Venice 2013
I got rid of them, they were holding me back, they were destroying me!
- Terry Gilliam on the Pythons, Venice 2013
NOTE TO FOREIGN READERS: The following are excerpts from Terry Gilliam's Disaronno Q&A at the Venice Film Festival 2013. "The Zero Theorem" is showing at this year's CPH PIX festival in Copenhagen.
TERRY GILLIAM OM DEN FARVERIGE FREMTID I "THE ZERO THEOREM" - OG FARERNE VED TWITTER Terry Gilliam on the bright, poppy future in "The Zero Theorem" and the dangers of Twitter:
"Brazil" was rather dark, and I thought [for "The Zero Theorem"] we'd make a happy place where people play at work, where people can be eternally young and juvenile, and nobody has to pay attention to the real world. Just like all of you sitting here today. Just bringing your world alive.
It was important that it was a happy world with lots of shopping, lots of fun, and there was one man [the Christoph Waltz character] who was uncomfortable in that world and just trying to escape it. He wants to know the meaning of life, of his life, and I'm trying to encourage people to find the meaning of your life. Alone. Don't tweet, don't use the web. Go away, be alone and find out who you are.
The future is working backwards now. It has reached us before we have reached it. We're all living in the future and don't realise it. And we're trying to encourage everyone to believe that every day is the present, neither the past nor the future. Live for the present - it only exists for about one second every day. It's so fast, the present, that there's no time to tweet!
Melanie Thiérry in "The Zero Theorem" (2013)
TERRY GILLIAM OM SIT VERDENSSYN Terry Gilliam on his world view:
I find the world a wonderful place, I find it really exciting. It's beautiful. I'm just more interested in the potentially negative problems of our society, and I like drawing attention to that. So hopefully we can change it for the better.
TERRY GILLIAM OM NUTIDENS HOLLYWOOD Terry Gilliam on Hollywood today:
The things that I'm interested in making movies about, the studios don't want to make. I don't want to have any more robots beating up sea creatures, there's enough aliens in the movies, enough people running away from big explosions. I think it's more interesting to look at the real world, occasionally, and try to make an interesting and hopefully funny and moving film.
TERRY GILLIAM OM AT LAVE FILM PÅ SMÅ BUDGETTER Terry Gilliam on making low-budget films:
The first thing you need is a lot of very talented friends who will come and work for next to nothing. Then you have to go to Bucharest, where it's one of the cheapest places in Europe to work. What basically happens is, because of these restrictions, you have to find interesting solutions, and those interesting solutions are usually more original than my original ideas.
TERRY GILLIAM OM ARVEN EFTER MONTY PYTHON Terry Gilliam on the legacy of Monty Python:
The curse of Monty Python was with me for a long time. We learned to be funny, we learned to work in skits, and it took a while to actually start to develop confidence to do what I wanted to do, and not do [it] the way we made Python. Monty Python was wonderful, it was fantastic. But it was also limited in the way we looked at the world. It was always satirical, it was never romantic or tragic, it was never those. Eventually I started making movies that were probably what I feel about the world as opposed to only being comic about the world.
We were very lucky with Monty Python, it was a specific time in the U.K., when the BBC was very laissez-faire. If they said, "Go and do something", you were able to do it. They gave us six-seven shows, and they worked. So they gave us more, and we developed our skills, our confidence and also our fanbase, the public. So we were successful. And we were incredibly lucky to have very wealthy, successful pop stars financing our movies. Led Zeppelin, Elton John, Pink Floyd, eventually George Harrison. So it was a very privileged position to then do exactly what we wanted to do, and surprise, surprise, the films were successful. And because I co-directed "Holy Grail" with Terry Jones, my name was on the screen saying "Directed by". That's the only thing you have to do, to get your name on the screen saying "directed by", and you're a film director!
Then I had to learn to direct films after that, and eventually I learnt [that] and realized I was better than the rest of the group. I got rid of them, they were holding me back, they were destroying me!
TERRY GILLIAM OM AT TEGNE OG ANIMERE Terry Gilliam on drawing and animating:
The only time I draw now is birthday cards for my family and anniversary cards for my wife. And sometimes the Christmas card. If I continue on this downward path of lower and lower budget films, eventually I may have to go back to graphical illustration!
TERRY GILLIAM OM HANS FORHEKSEDE DRØMMEPROJEKT "DON QUIXOTE" Terry Gilliam on his jinxed dream project "Don Quixote":
When I make a film, it's like we go into the ocean, and the storm's crashing, and everything breaks. And then, when we finish it, we go back into the little harbour, and we think about making Don Quixote again. Sometimes the boat goes out, and sometimes it sinks, and sometimes it might go forward, and we can get into the storm with the Don Quixote boat. But not yet. I think it's been six [of these "storms" to date]. Maybe seven.
TERRY GILLIAM OM SIN GÆSTEROLLE I DEN KOMMENDE "JUPITER ASCENDING" Terry Gilliam on his cameo in the upcoming "Jupiter Ascending":
The Wachowski siblings asked me if I would play a part, because there's a scene that's sort of an homage to "Brazil", so they needed a bureaucrat, and I get to play [one]. And I get to work with Channing Tatum and Mila Kunis, and I do all the talking. And I thought it would be interesting to be a part of a film that has a budget bigger than 150 billion dollars!
Så er der CPH PIX igen! Fra i dag, 3. april, og til den 16. april kan filmfans i København og udvalgte provinsbyer gå på opdagelse i programmets 150 film fra alle verdenshjørner og i alle genrer. De fleste af filmene bliver kun vist i danske biografer ved denne ene lejlighed.
Weekendens æresgæst på CPH PIX er den amerikanske instruktørveteran William Friedkin, bedst kendt for sin fremragende politithriller "The French Connection" (1971) og gyserklassikeren "Eksorcisten" (1973).
I forbindelse med CPH PIX har Cinemateket valgt William Friedkins "Frygtens pris" (Sorcerer, 1977) som månedens film i april. Den desillusionerede thriller, som tidligere er filmatiseret af Henri-Georges Clouzot i 1954 som "Le salaire de la peur", blev totalt overset ved premieren i 1977, til dels fordi en lille film ved navn "Star Wars" havde premiere samme dag.
Nu får "Sorcerer" en ny chance i en digitalt restaureret kopi, som havde repremiere på Venedig-festivalen sidste år. Her modtog William Friedkin ved samme lejlighed en ærespris, og dem kan han åbenbart ikke få for mange af, for i morgen, fredag 4. april, venter der ham en æres-Robert til gallaforevisningen af "Frygtens pris" i Dagmar.
Biograftrailer for "Frygtens pris" (1977)
At 78-årige William Friedkin er en benhård Chicago-bisse, der ikke stikker op for bollemælk, demonstrerede han i Venedig. Friedkin var i hopla til sin pressekonference og nød tydeligt både opmærksomheden og muligheden for at provokere den forsamlede verdenspresse. Herunder kan du læse mange af hans guldkorn fra Venedig-seancen på engelsk.
(Og et PS: Min lille aktie i Friedkins danmarksbesøg er, at jeg overleverede CPH PIX' personlige invitation til ham efter pressekonferencen i Venedig!)
NOTE TO FOREIGN READERS: The following are excerpts from William Friedkin's press conference at the Venice Film Festival 2013. Mr. Friedkin is currently guest of honor at this year's CPH PIX festival in Copenhagen.
WILLIAM FRIEDKIN OM AT VINDE EN OSCAR FOR "THE FRENCH CONNECTION" I 1972 William Friedkin on winning an Academy Award for "The French Connection" in 1972:
Yesterday I met a gentleman in passing, who said to me: "How does it feel to have won an Academy Award over Stanley Kubrick?" And I said, "Well, The French Connection was funnier than A Clockwork Orange!" That's how it must have happened. (silent pause) Shall I repeat that? It sounded funnier when he said it.
WILLIAM FRIEDKIN OM "FRYGTENS PRIS" William Friedkin on "Sorcerer":
If there's one film I'd like to be remembered for, it's "Sorcerer". Because "Sorcerer" is the film that came the closest to my vision. Of any film I've ever made, the result is the way I first saw it in my mind's eye.
"Sorcerer" is a metaphor for the nations of the world that can't get along. And if they don't get along, if they can't find a way to respect one another's culture, and to respect the nature that God has given us, they will explode.
[The making of the film] had a lot of problems, physical problems. About 50 people who worked on the crew, including me, got malaria, gangrene, were sick, ill for months afterwards. So it was a difficult film to make, but I think we're all lucky if we're able to make cinema.
"Eksorcisten" (1973) | pr-foto
WILLIAM FRIEDKIN OM STADIG AT VÆRE MEST KENDT FOR "EKSORCISTEN" William Friedkin on "The Exorcist" still being his best-known film:
I'm grateful that people like any film that I've made. I like "The Exorcist" too! It's a very powerful film about the mystery of faith, and the power of Christ. I think that's the only film I've made that is about such important subjects as the grand mystery of faith and the power of Christ. And it's not metaphor. It's direct. I believe in the power of Christ. And I understand that faith is a mystery, that a man in his early 30's walked the earth in Jerusalem and in the diaspora in a robe and sandals, and he spoke on hillsides and seasides, in the streets and in the synagogues of the day.
He wrote nothing, there's no writing in the hand of Jesus'. There are no pictures of him. We don't know of any paintings that were made of him at the time. His words have come to us from other people. Yet, over the last more than 2000 years, trillions of people have believed in this person. I find that incredibly mysterious and important. I can't say that I fully understand it, but I find it extraordinary.
We know more about the afterlife of Christ than we know about the life of the young man, Jesus. And everything else about Jesus except his birth and death, everything else is part of the mystery of faith. And that's what "The Exorcist" is about. The mystery of faith and the power to heal the sick.
"Jeg syntes, det var uhyggeligt. Det er nok en af de værste oplevelser, jeg nogensinde har haft. Du kan eddermame tro, han er en strid banan"
WILLIAM FRIEDKIN OM AT VÆRE HÅRD MOD SINE SKUESPILLERE William Friedkin on giving his actors a hard time:
Here's what I do as a director. I work very much like a psychiatrist. I've never been in psychiatry, really. But as I understand psychiatry, you talk about yourself to a psychiatrist, and you reveal a lot of yourself to this psychiatrist. I do this with actors. I'll sit with them before we go to make the film, and I'll get from them the things that make them happy, or sad, or frightened, or courageous. Or tragic, even.
I was difficult with Gene Hackman [in "The French Connection"], because his character was difficult. He was playing a very hard, tough guy, who was angry. Hackman himself did not have this anger, but he had it within him. And I tried to get to it every single day. He was more angry at me than he was at the drug dealer! This is what I intended. And it's one of the reasons why I think his performance is so good. It's not that I told him how to do it, it all comes from him. But I had to help him get to the sense-memory to provoke that emotion.
Gene Hackman i "The French Connection" (1971) | pr-foto
With Linda Blair [in "The Exorcist"], I asked her, what was the most tragic time in her life. And she said, when her grandfather died. So I constantly used this knowledge this knowledge that I get from them as a kind of sense-memory. Because that's what the actor does. The actor or actress brings forward sense-memories of their own to play their character. And I work with opera singers this way too. They have to remember what it was like to be happy or sad. Because even though they are playing another part, it's still them. It's them being happy, them being sad, evil or good.
So I will use little suggestions like this to provoke them into sense-memories that allow them to portray these characters, when those emotions are called for. Because that's what an actor is doing. Not just reading lines and memorizing them. They are portraying emotions, and you have to provoke these emotions in the character.
WILLIAM FRIEDKIN OM SIN FILMSMAG William Friedkin's taste in movies:
I haven't seen a new film in a very long time. But I love the films, for example, of the Coen brothers in America. And I love the films that I've seen of Matteo Garrone and Paolo Sorrentino in Italy.
I mostly watch films that I've seen before, on Blu-ray. I'll tell you what I watch a lot now. Still, "Citizen Kane", "All About Eve", "The Treasure of the Sierra Madre", "8 ½", "The Band Wagon", "Singin' in the Rain", "Diabolique". All the films of Antonioni, "La Notte", "L'eclisse". Especially "Blow-Up". I watch these films constantly. I watch foreign films from many other countries.
Ever heard of a film called "A Serbian Film"? You heard of it? You've seen it? It's pretty great, isn't it? You don't like it? I think it's great. Anyone who doesn't like "A Serbian Film" can leave right now!
WILLIAM FRIEDKIN OM NUTIDENS HOLLYWOOD William Friedkin on Hollywood today:
I think the studios have a problem, yes. But the point is, everything implodes. Even ancient Rome. Everything implodes. I think there will be some sort of studio system for a good long time to come in Hollywood. The studios today are primarily distribution organizations. They originate and make very few films in the Hollywood studios.
To them, it's about, making money. And they're making a lot of money. They spend a lot, but Hollywood today is like a big casino. It's like a big place where you gamble, and you put all the chips on one number, one card, one turn of the card. Hollywood studios could make a thousand films for what they spend on one.
I couldn't make a film like "Bug" (2006) or "Killer Joe" (2011) with a Hollywood studio. You have to have somebody wearing a spandex suit with leather on his chest, flying around the world, saving the world from evil. You have to have somebody who can kill vampires or zombies, you know. I don't want to do that, I don't even want to watch it, to be honest with you. The kind of stories that attract me cannot be made for a major studio. No way. You'd be surprised in the days of "The Artist" (2011), most of the studios didn't want to make that. It's too far out, too edgy.
WILLIAM FRIEDKIN OM FILMKUNSTENS ROLLE I SAMFUNDET William Friedkin on the role of cinema today:
It was Bertold Brecht, the German playwright, essayist and poet, who said: "Art is not a mirror to be held up to society. Art is a hammer with which to reshape it." That's the role of cinema. To help people find a way toward acceptance of who they are, and who everyone else is, and to respect that.
There's no doubt in my mind that the world right now, today, is on the edge of extinction. Just open your own newspapers or websites or whatever. America threatens Syria. Iran threatens Israel. Russia threatens anybody else. Everybody's threatening everybody today in a way that I haven't experienced since the second World War. Only now, the weapons are nuclear, and all it takes is one madman to end the whole thing.
Everything's not okay. There is nobody flying around in a spandex suit with a letter on his or her chest and saving the world. There is nobody. There is no Superman. There is no Batman. There are only ordinary human beings, like me, like you. And I think the only real solution that could possibly come along is if the world again comes up with a Gandhi, or an Anwar Sadat, or a Martin Luther King junior. Or somebody who is ready to stake their lives on peace and compromise. Without that, you know ...
We all need leadership, because we all have governments. We can't just do what we want to do; we have a government that makes laws about what we do. When I see our government provoking or threatening another country, I'm ashamed. So I think it is a major, major role for cinema to search for a way for people - even people who don't necessarily like one another - to find a way to come together.
Cary Grant & Eva Marie Saint i "Menneskejagt" (North by Northwest, 1959)
WILLIAM FRIEDKINS RÅD TIL UNGE FILMSKABERE William Friedkin's advice to young filmmakers:
What is my advice to young people? If you're in a cinema school, leave immediately! Leave cinema school, go out, get a small camera, make your film, edit it at home, put it on a website, and do it yourself. Don't worry about criticism. Just let the audience see your work, free of any critical appraisal. This is the great gift to young cinema people today, and that's what I would advice them to do. Nobody can teach you how to do cinema. It is something that you learn by doing, and by seeing. Because cinema begets cinema. My films are passable because of what I have seen in the works of others.
All a young person has to do to learn how to make a film is watch the films of Alfred Hitchcock. Just see his films, not just the suspense films or "Psycho", but see how he handles every kind of scene. Comedy, romance ... He made the most romantic film I've ever seen, in "North by Northwest". The scene with Cary Grant and Eva Marie Saint, they just look at each other, [and] the chemistry between them is so powerful, so beautiful, and it was provoked by Hitchcock. Hitchcock was asked by James Stewart when he made "Rear Window", "Hitch, what do you want me to do when I see the guy murdering his wife in the apartment across the way? How do you want me to react?" And Hitchcock said, "Oh, do what you always do!" And that's what he did.
En gang imellem – og især på festivaler – har vi filmjournalister det privilegium at gå en ny film i møde uden at vide noget som helst om den. Det skete for mig i august 2013, da jeg satte mig til rette i Venedig-festivalens premieresal for at se åbningsfilmen, Alfonso Cuaróns ”Gravity”.
Det var første gang nogensinde, at denne film blev vist offentligt, og eftersom jeg ikke havde opfanget nogen hype forud for denne verdenspremiere, anede jeg ikke, hvad jeg gik ind til.
Måske på grund af de manglende forventninger ramte ”Gravity” mig som en forhammer i mellemgulvet. En intens, voldsomt knugende og frem for alt fysisk medrivende biografoplevelse af stor visuel skønhed blæste mig bagover, og jeg følte siden, at jeg havde været vidne til en form for ur-film; en overlegen orkestrering af billede og lyd, der var inde og røre ved noget grundlæggende, sanseligt og primalt i filmmediet.
I dag, syv måneder og syv Oscars senere, har ”Gravity” konsolideret sin status som et skelsættende værk på flere fronter. Det er sjældent set, at en af årets største biografsucceser er en 80 % computeranimeret hybrid, der parrer katastrofefilmens troper med et intimt kammerspil for to personer. Læg dertil en kærkommen blockbuster-minimalisme i kraft af filmens overkommelige spillelængde på 90 minutter, der udfoldes i noget nær realtid. Endelig skiller ”Gravity” sig ud ved at have en voksen kvinde – 49-årige Sandra Bullock – i en bærende næsten-solo-rolle.
Først og sidst har den mexicanske instruktør Alfonso Cuarón med ”Gravity” begået en teknisk kraftpræstation, der på linje med ”Avatar” (2009) banker solide hegnspæle ned i mediets udviklingshistorie. Anført af det britiske effektfirma Framestore måtte holdet bag ”Gravity” opfinde en række helt nye teknologier for at kunne forløse Cuaróns vision.
"Space in Gravity feels so real in part because we get to see it in such long stretches. And because it feels so real, we invest even more deeply in Bullock’s performance and the reality of her predicament. We believe that she — and we — are really there. The long takes are a huge part of why." - John August
Alfonso Cuaróns brug af ubrudte indstillinger (af op til 12 minutters varighed) er et inspireret kunstnerisk valg, der ikke blot suger tilskueren ind i filmens taktile 3D-rum, men også formidler universets forunderlige skønhed, rædsel og isolation bedre end få andre film siden ”Rumrejsen år 2001” (1969). Ophævelsen af tyngdekraften – og dermed retningssansen – sætter det virtuelle kamera fri til at glide op, ned, rundt og sågar ind og ud af Sandra Bullocks hjelm-POV.
Den lystfyldte fornemmelse af vægtløshed forplanter sig til seeren, men kan på få sekunder skifte fra vægtløs ballet til rædselsvækkende, mareridtsagtig gru, når rumskraldet suser brat ud af det sorte verdensalt og hvirvler faretruende tæt forbi linsen. I disse scener brillerer også Glenn Freemantles lyddesign, der veksler mellem hæsblæsende aktivitet og spøgelsesagtig stilhed – i øvrigt i fuld overensstemmelse med de fysiske realiteter i termosfærens lydtomme rum.
Efter den mesterlige første times åndeløse jerngreb taber ”Gravity” desværre højde. Det er efterhånden bredt accepteret som et faktum, at manuskriptet er det svage led i ”Gravity” – og i særdeleshed den stadig mere bastante symbolik, som Alfonso Cuarón og hans medforfatter, Jonás Cuarón, tvinger ned over den ellers simple fortælling. Bullocks figur, den utrænede astronaut Ryan Stone, er således udstyret med en skematisk baggrundshistorie, der pædagogisk udstanses i overtydelige replikker hen mod filmens klimaks.
Den banale genfødselsmetaforik virker desuden som en irriterende helgardering. der føles påklistret og aldeles unødvendig: Det primale, eksistentielle overlevelsesdrama i filmens enkle set-up – frit fald gennem det ydre rum! – er rigelig stærkt i sig selv.
"Gravity": med og uden Framestores visuelle effekter
Under førstevisningen i Venedig blev min jubel over ”Gravity” gradvist afløst af irritation over, at Cuarón senior og junior absolut skulle sabotere deres eget storværk med en så rørstrømsk og forfladiget finale. Heldigvis synes fejlene at skæmme helheden mindre ved de gensyn, som ”Gravity” i høj grad indbyder til. Og uden at have testet filmen på et telefondisplay – den ultimative lakmustest for en udpræget biografplevelse som ”Gravity” – må jeg konstatere, nu hvor filmen er ude på blu-ray, at den heldigvis ikke falder til jorden (undskyld!) i hjemmebiografen. Især hvis man som jeg har mulighed for at projicere den op i 3D.
Alfonso Cuarón og Mark Singers yderst afmålte klippetempo er perfekt afstemt til 3D-teknikken. Kørt igennem en Optoma-projektor fungerer blu-ray'ens 3D-konversion af ”Gravity” så lydefrit, at man lynhurtigt glemmer, man sidder med et ekstra sæt briller på. Blu-ray'ens 5.1-surroundspor formidler fint dynamikken i det spændende lyddesign, men kan naturligvis ikke helt kan hamle op med Atmos-oplevelsen i Imperial (hvor ”Gravity” gik så længe, at den indspillede halvdelen af sine samlede, danske biografindtægter i denne ene biograf!).
I Venedig sad jeg flere gange under filmen og måbede: ”Hvordan fanden har de lavet det der?” ”Gravity” nærmest skriger på omfattende ekstramateriale, og blu-ray'ens længe ventede kig bag kulisserne skuffer absolut ikke. For eksempel varer det generøse bonusstof tilsammen dobbelt så længe som selve hovedfilmen.
Det primære ekstramateriale, "Gravity: Mission Control" (106:36), er inddelt i mindre featuretter, som kan afspilles separat eller i forlængelse af hinanden.
”It began with a story” (16:21): Dette første kapitel understreger kun alt for tydeligt, hvorfor manuskriptarbejdet var et af de få områder, hvor ”Gravity” ikke gjorde sig fortjent til en Oscar-nominering. Alfonso og Jonas Cuarón forklarer velvilligt deres tanker bag historien, men man bliver endnu hurtigere træt af deres pladder om ”rebirth” og livets mange ”adversities”, når metaforikken som her skrives med versaler for de tungnemme på bageste række. Det er i den grad on the nose.
”From the get-go, when we decided to do a film in space, the metaphorical value of space was very obvious. You have a character who is drifting, following her own inertia. In one hand, she has life, she has planet Earth, human connection. On the other side, she's drifting towards the void. We wanted to do a film about adversities and the possibility of a rebirth. With rebirth, I'm talking about knowledge. Having a new knowledge of yourself after an experience. And obviously, part of that rebirth is the acceptance of death. That is the biggest experience of knowledge that we want to obtain, the acceptance of death. It's something that we talked about, Jonás and I, when we were writing the script. We see a character that, first of all, lives in her own bubble. Literally lives in her own bubble. And she needs to shed that skin, she needs to come out of the bubble in order to begin her process. Like metaphorically, you tell people they have to put their feet on the ground and just keep on going.”
- Alfonso Cuarón i Venedig, 2013
Alfonso Cuarón, Sandra Bullock og George Clooney i Venedig 2013 | pr-foto
”Initial challenge: Long shots and Zero G”(10:12): Her får man bl.a. at vide, at Cuarón lod sig inspirere til de lange indstillinger ved at se NASAs videooptagelser fra rigtige rummissioner. Desuden forklares konceptet ”mikrogravitet” med en fiks lille animation, og vi ser Tim Webber, Framestores VFX-maestro, afprøve NASAs berygtede Vomit Comet (vægtløshedssimulatoren kendt fra ekstramaterialet til Ron Howards ”Apollo 13”).
”Previsualizing Gravity” (11:38): Hvor de store blockbustere (alt for) ofte henter effektholdet ind i optagelsernes sidste fase, hvorefter de forventes at halse af sted for at nå premieredatoen, er hele ”Gravity” i praksis præprogrammeret fra første til sidste billede. Alt er simpelthen lagt fast i præ-visualiserings-stadiet i en sådan grad, at skuespillerne skal tilpasse deres bevægelser til effekterne og ikke omvendt. Featuretten går også i detaljer med den famøse og banebrydende opfindelse ”Light Box”, som gjorde filmens vanvittigt komplicerede indstillinger mulige.
”The hues of space” (10:41) kan tjene som anskuelighedsværktøj for alle, der betvivler, hvorvidt cheffotografen på en overvejende computergenereret film (”Life of Pi”, host-host) har ret til at blive honoreret med en Oscar. For uanset hvor mange pixels der dominerer billedet på lærredet, er det stadig cheffotografen Emmanuel ”Chivo” Lubezki, der har truffet de afgørende valg om filmens komposition og lyssætning (som i øvrigt i dette tilfælde er smuk, varieret og fotorealistisk).
Et fjollet påskeæg afsløres i ekstramaterialet: Alfonso Cuarón og cheffotografen Emmanuel Lubezki (begge i rumdragt) "spejler sig" i Clooneys visir i denne scene!
”Physical weightlessness” (7:48): Et kig på, hvordan avancerede snoretræk og gode gammeldags dukkeførere bidrog til illusionen af vægtløshed ved at rive Sandra Bullock rundt på settet.
”Space tech” (13:02): Og hvis nogen undrer sig over, at ”Gravity” tillige vandt Oscar for bedste scenografi, mindes der her om, at samtlige af de 2000 virtuelle rekvisitter i ISS er designet fra bunden!
”Sandra and George: A pair in space” (9:37): Fis og ballade på settet med Bullock og Clooney.
”Final animation” (15:01). Udvalgte nørdfakta: Tre millioner stjerner ses på himlen bag Bullock og Clooney i filmen. Den endelige rendering af ”Gravity” fylder 500 terabyte. Og det tog computerne tre måneder at vende op og ned på seks minutter af åbningsscenen, efter at Alfonso Cuarón ombestemte sig.
”Complete silence” (12:13): Rart at se, at Steven Prices oscarvindende, immersive musik også får sin egen featurette. Her erfarer man, at dele af partituret blev fremført på glas og bearbejdede menneskevokaler i stedet for synths.
Længere nede i blu-ray-menuen dækker paraplytitlen "Shot Breakdowns" (36:48) over fem ekstra featuretter med overskydende interview, som alle er lige så spændende og informative som hoveddokumentaren. Hvem har f.eks. skænket det en tanke, mens de så ” Gravity”, at både Sandra Bullocks og George Clooneys visirer er 100 % computeranimerede?
Behind the visor (6:50)
Fire in the international space station (5:42)
Dr. Stone's rebirth (7:54)
The sound of action in space (7:55)
Splashdown (8:24)
I programmet "Collision Point: The Race to Clean Up Space" (22:28) redegør Ed Harris' fortællestemme ganske overbevisende for, at rumskrald også i virkeligheden er et farligt og i nogen grad upåagtet problem.
”Aningaaq” (6:53) er Jonás Cuaróns pudsigt tænkte, men lidt ligegyldige kortfilm, der skildrer dr. Stones radiosamtale med grønlandske Aningaaq fra dennes jordiske synsvinkel. Filmen kan også vises med introduktion af Alfonso og Jonás Cuarón (i alt 10:11).
Endelig er ”Film festivals” (1 sides tekst) en helt igennem overflødig opremsning af de festivaler, hvor ”Gravity” har været vist.
Gravity 3D. USA/Storbritannien 2013. Instruktion: Alfonso Cuarón. Spilletid: 91 minutter. Dansk blu-ray-udgivelse: 4. marts 2014. Distributør: Warner Bros. Entertainment. ”Gravity 3D” blu-ray er venligst stillet til rådighed af Warner Bros. Nordic.
I dag har Stephen Frears' komediedrama "Philomena" premiere i de danske biografer. Det er noget så sjældent som en morsom, rørende og intelligent feelgood-film, der finder en naturlig balance mellem sine komiske og seriøse elementer. Roserne bør ikke kun gå til Frears' drevne instruktørrutine, men også til komikeren Steve Coogan, som har produceret filmen og skrevet et velfungerende manuskript (sammen med Jeff Pope) ud fra virkelige begivenheder.
“Philomena” fortæller historien om Philomena Lee, en sød og lidt naiv irsk dame, som spilles til en sikker oscarnominering af Judi Dench. Som teenagepige i 1950’ernes Irland blev Philomena Lee gravid uden for ægteskabet, hvilket kastede skam over hendes katolske familie. Philomena måtte føde sin lille dreng på et lokalt kloster, men hun mistede sønnen igen, da de strikse nonner bortadopterede ham som treårig. Philomena holder sin private sorg hemmelig i halvtreds år, før en journalist opsnuser historien og hjælper hende med at undersøge, hvad der siden skete barnet.
Steve Coogan spiller selv den anden hovedrolle som journalisten Martin Sixsmith, hvilket han gør vittigt og med stor beherskelse. Under dette års filmfestival i Venedig fortalte Steve Coogan mig, at han havde længtes efter at få lov til at bevise, at han kunne andet og mere end at fjolle rundt i BBC's Alan Partridge-serier og være "den sjove englænder" i amerikanske filmkomedier. Men ingen turde caste ham i en seriøs rolle. Så Coogan måtte tage sagen i egen hånd:
"Jeg følte, at jeg trådte vande i Amerika, hvor jeg spillede birolle nummer tre i den ene komediefilm efter den anden. Det var på en måde interessant, men ikke rigtig tilfredsstillende. Jeg sad ikke i førersædet og havde ikke hjertet med i det - det var lidt for nemt. Derudover havde jeg længe følt mig hæmmet af Alan Partridge-figuren og forsøgt at distancere mig fra den. I et år eksperimenterede jeg med at gå til casting på usædvanlige roller, og jeg fik ikke en eneste af dem. "Jeg er vild med det, du laver, og det var en rigtig god audition, men til syvende og sidst er du kendt for at være komiker, og det vil vi ikke have med i vores film. Jeg vil have en seriøs skuespiller." Det hørte jeg fra castere og fra filmselskabschefer, og det begyndte at pisse mig af. Fuck det, jeg finder en film, jeg kan producere, og så giver jeg mig selv en god rolle, for jeg tror, at jeg vil kunne spille den. Hvis nogen anden havde produceret eller skrevet "Philomena", var jeg aldrig blevet tilbudt den rolle."
"I USA er man mere åbne over for, at komikere kan være gode karakterskuespillere. Men i Storbritannien hersker der stadig noget elitisme omkring det på grund af vores klassiske teatertradition. Der er en udbredt forestilling om, at komedie på en eller anden måde er mere overfladisk, trivielt eller nemt at gå til. I virkeligheden er det teknisk meget svært at spille godt komedie. Jeg er uddannet skuespiller, men blev suget ind i komedieverdenen. Jeg kan godt lide humor og gags, men det skal helst handle om noget. Efterhånden som man bliver ældre, kræver man mere substans i tingene. Selv god komik er ligesom fastfood: Man nyder det, men det giver ikke ordentlig næring. Man har brug for både at le og græde."
"Humor kan bruges som et korrektiv, hvis tingene bliver for sødladne eller sentimentale. Jeg ønskede at bruge kynisme som en del af Martin Sixsmiths personlighed i "Philomena", fordi kynisme er morsomt og underholdende, men kærligheden og håbet er nødt til at vinde over den. Vi måtte sætte os ud over kynismen. Det mest avantgardistiske, man kan gøre i dag, er at behandle kærlighed på en ikke-kynisk, uforstilt facon, hvor det ikke bare er noget, man bruger for at manipulere med publikum. Det er det sværeste af alt - at være oprigtig."
EXTRA - FOR FOREIGN READERS: Steve Coogan, actor/writer/producer, talks about "Philomena" at Venice Film Festival 2013
(English version)
"I was treading water in America, playing part number three in this and that comedy film. It was sort of interesting, but not really satisfying. I wasn't in the driving seat, I wasn't passionate about it - it was kind of easy. Also, I felt encumbered with the Alan Partridge character for many years and tried to move away from it. I experimented for a year auditioning as an actor for unusual parts, and I didn't get any of them. No director would give me that kind of serious part. "I love what you do, and you did a really good audition, but in the end, you do comedy, you're too known for that, and we don't want that in our film, I want a serious actor." I got that from casting agents, heads of studios, and it started to piss me off. Fuck it, I'll find a project to produce, I'll give myself a good role, I think I can do it well. If someone else had produced or written "Philomena", I would not have been offered that role."
"In America, there's a more open view towards [comedians being good character actors]. But in Britain, I find a certain elitism about that, because of our classical tradition. There's a notion that comedy is somehow lightweight or trivial or easy. In fact, good comedy is technically very hard. I trained as an actor, but got sucked into comedy. I like humor and gags, but I like things to be about something. As you get older, you want something with more substance. Even good comedy is like fast food: it's enjoyable, but you want real nourishment - you need to laugh AND cry."
"Humor can take the curse off things that are mawkish or sentimental. I wanted to use cynicism [as the Martin Sixsmith character in "Philomena"], because it's funny and enjoyable, but it has to lose the battle with love and hope. I am cynical sometimes, but I don't like to think that I'm full of hate. It had to be transcended. The most avant-garde thing you can do is to talk about love in an uncynical way and be genuine about it rather than trying to play a beat for an audience. That's the hardest thing, to be sincere."
… tør jeg ikke garantere, at du finder på Bries Blog-O-Rama. Til gengæld lover jeg dig:
Masser af interviews med kendte filmfolk. Udvalgte biograf- og dvd-anmeldelser. Og en række af de sjoveste, særeste eller bare mest spændende oplevelser, jeg har haft som kulturjournalist i dette årtusinde.
Så flyv med over månen i luftballon. Ræk ud efter stjernerne (hej Brad!) i mine festivalwebcasts fra Cannes og Venedig.
.jpg)
